Dez grandes momentos de Eric Clapton

Versão traduzida de “ Eric Clapton’s 10 Greatest Guitar Moments” escrito por Damian Fanelli, Alan di Perna, Jimmy Brown e Andy Aledort para a revista Guitar Player

link do texto original https://www.guitarplayer.com/players/eric-claptons-10-greatest-guitar-moments-video

Houve um tempo em que o nome Eric Clapton significava “apenas” uma coisa : Deus da guitarra.Suas façanhas de seis cordas com os Yardbirds, seguidas por um par de álbuns alucinantes de 1966 – Blues Breakers com Eric Clapton e Fresh Cream – colocam , rapidamente, o jovem apaixonado Clapton no topo da hierarquia dos guitarristas. No final dos anos sessenta, ele estava dividindo os holofotes com deidades do rock como Jimi Hendrix, Jimmy Page e Jeff Beck. Significativamente, talvez tenha sido nessa época que Clapton começou a se distanciar gradualmente dos solos chamativos e longos de sua juventude selvagem, enquanto seguia de Cream para Blind Faith e depois de Derek e Domino para uma bem-sucedida carreira solo.

Ele ,finalmente, caiu sob o feitiço suave de J.J. Cale and the Band, deu mais ênfase ao canto e composição, e se interessou por country rock e reggae.Hoje, Clapton desfruta de uma posição invejável como um dos estadistas mais respeitados do  do blues.

Aqui, analisamos a carreira de mais de 50 anos de Clapton e identificamos o que consideramos os 10 maiores momentos de guitarra – até agora. Nossa lista se aprofunda em sua arte de seis cordas, enfatizando a execução e não necessariamente os hits. Esperamos que você goste deste guia .

10. “Sleepy Time Time “-Cream – Live Cream (1968)

A inspiração inicial do Cream cresceu da dedicação a uma reinvenção pioneira e improvisadora  do Blues, incluindo “Spoonful”, de Willie Dixon, e “I’m So Glad, de Skip James”.Esta faixa, que eles originalmente gravaram no estúdio para sua estréia no final de 1966, Fresh Cream, oferece a visão singularmente distorcida do baixista Jack Bruce de um blues “moderno” em 12/8 de uma forma mais condensada, mas não menos avançada, como em comparação com as jams de mais de 15 minutos que destacavam as performances de Cream.

O Live Cream combina quatro faixas gravadas de 7 a 10 de março de 1968, em San Francisco, no Fillmore West e Winterland Ballroom.Este álbum  captura o som da  banda durante suas 223ª a 226ª apresentações em apenas 14 meses, por isso não é de admirar que eles alcancem a improvisação puramente mágica em grupo sincronizada nesta faixa. Tocando em um par de stacks Marshall de 100 watts (usando os gabinetes “altos” 4×12 1960A e 1960B), Clapton produziu um som enorme. Há um debate sobre qual guitarra ele usou em gravações ao vivo específicas, enquanto ele tocava alternadamente sua Gibson SG de 1964, Firebird I de 1964 e ES-335 de 1963 durante esse período, embora algumas fotos da turnê de 1968 mostrem-no com um Les Paul.

O solo de Clapton aqui evoca a influência de B.B. King, enquanto ele se move habilmente entre frases baseadas na pentatônica  de Dó menor e na pentatônica de  Dó maior. Seus bends  velozes como um raio e vibrato “flutuante” e celestial ilustram por que Clapton, aos 23 anos, foi chamado Deus durante esse período.

09. ” Why Does Love  Got To Be So Sad ?” -Derek and  the Dominós – Live at the Fillmore –Em 1969, após a implosão de Cream e a curta vida  do Blind Faith, Clapton se viu numa encruzilhada na carreira.Desiludido e sem direção, ele se juntou ao poderoso duo marido / esposa Delaney & Bonnie and Friends como sideman.Três músicos desta formação – o baixista Carl Radle, o tecladista e cantor Bobby Whitlock e o baterista Jim Gordon – formaram o núcleo da próxima banda de Clapton, Derek and the Dominos, que gravou as seminais Layla e Other Assorted Love Songs no verão de 1970 e fez uma turnê como um quarteto.

Os shows ao vivo do Domino estavam repletos de longas jam e, em quase 15 minutos, ” Why Does Love  Got To Be So Sad” foi um das mais longas, com uma sonoridade de Funk com infusão de wah . Com vocais estelares de alta harmonia adicionados por Whitlock, este quarteto emite um som grandioso.

O primeiro solo de Clapton tem todo o fogo, sua Stratocaster “Brownie” de 1956 está gritando virtuosismo e convicção puros. A segunda metade da música é uma jam maior de sete minutos, durante a qual o guitarrista de 25 anos exibe inventividade inspirada em acordes e linhas únicas.

08. “Badge”-Cream – Goodbye (1969)

Assim como “While My Guitar Gently Weeps”, “Badge” ,do Cream, é o resultado de uma amizade forte e duradoura entre Clapton e George Harrison, dos Beatles.Clapton pediu ajuda a Harrison. “Eu estava escrevendo as palavras e, quando chegamos ao meio, escrevi ‘Bridge'”, disse Harrison. “E de onde [Eric] estava sentado, na minha frente, ele olhou e disse: ‘O que é isso? badge?'” Clapton acabou chamando a música “Badge” porque o fez rir. Para a sessão, que ocorreu apenas um mês depois de “While My Guitar Gently Weeps”, Harrison tocou guitarra base. O solo brilhante, que dura 33 segundos, é um excelente exemplo de uma “composição dentro de uma composição.

07. “Spoonful”- Cream – Fresh Cream (1966)-Assim como o “Crossroads” introduziu uma nova geração de fãs de música na mística de Robert Johnson, o “Spoonful” de Cream trouxe uma exposição extra a Willie Dixon, que escreveu a música, e Howlin ‘Wolf, que originalmente a gravou em 1960.A versão do Cream, conduzida pela guitarra de Clapton e pelo baixo pesado de Jack Bruce – dá vários passos adiante.

O solo de Clapton, que começa aoss 2:23, parece quase brincalhão no início, como se ele estivesse brincando com o ouvinte, mas aos 2:46, as coisas mudam repentina e profundamente para o dramático. Aos 3:31, ele começa uma melodia completamente nova, levando Bruce e o baterista Ginger Baker para  passear junto a  ele. O tom de Clapton na faixa, um som denso e encharcado de reverberação que apenas um humbucker Gibson poderia produzir, está no cânone do Cream e em toda a discografia de Clapton.

06. “Layla”-Derek e os Dominós – Layla (1970)- Ele escreveu essa música para expressar seu amor não correspondido por Pattie Boyd, que era a esposa de George Harrison na época, mas que ficaria com Clapton no final dos anos setenta. O riff principal da música foi algo que Clapton inventou com o lendário guitarrista Duane Allman, que participou das sessões do álbum por sugestão do produtor Tom Dowd.

Há um profundo senso de telepatia musical na maneira como suas linhas de blues  se entrelaçam com as improvisações de guitarra deslizantes espectralmente assustadoras de Allman durante o solo estendido da música sobre a estrutura principal do riff. Isso abre caminho para a imponente coda movida pelo piano , escrita pelo baterista do Dominos Jim Gordon .

05. “Let  It Rain”-Eric Clapton – Eric Clapton (1970)-Essa música arranjada com bom gosto do álbum solo de estreia de Clapton começa com o guitarrista tocando uma harmonização de três guitarras  com toques e vibratos perfeitamente sincronizados.Juntos, eles criam o efeito de um instrumento tocando uma melodia harmonizada em tríades, mas com o brilho e a clareza que só podem ser alcançados por três linhas separadas de uma única nota, ou “vozes”. Clapton gravou essa música na Brownie, sua Fender Stratocaster, usando o captador single da ponte,  único e brilhante, para suas partes principais.

Enquanto o tom de liderança de Clapton aqui é mais marcante do que o que ele usou no início de sua carreira, seu estilo único, determinado por seu fraseado, bends e vibrato, continuam sendo sua assinatura.

04. “Stepin’ Out” -John Mayall and the Bluesbreakers – Blues Breakers with Eric Clapton (1966)-“Steppin ‘Out” é uma das faixas Bluesbreakers mais conhecidas de Clapton, e por boas razões. Juntamente com o “Hideaway”, ele fornece a dose mais pesada do tom sólido e alucinante de Clapton .

Esse blues otimista e direto pega emprestado partes da versão original de 1959 de Memphis Slim. Clapton (junto com John Mayall no teclado) toca a figura da introdução de piano de Slim e depois faz referência ao solo de sax tenor da faixa

Mas há muito mais acontecendo aqui. Clapton incorpora um  vibrato com dedo no 12º traste da terceira  corda (Sol) – o que  contribui para o sustain produzida por seu amplificador Marshall saturado – e ele usa slides (deslizamento com  o dedo) enquanto alterna entre várias posições da escala pentatônica menor em Sol.

03. “White Room”-Cream – Wheels of  Fire (1968)

Com a participação do baixista do Cream, Jack Bruce, e do poeta do Swinging London, Pete Brown, “White Room” forneceu uma faixa de abertura adequadamente gloriosa para o terceiro álbum de Cream, Wheels of Fire, de 1968.

Desde as primeiras notas da introdução  em 5/4 da música, fica claro que essa é uma gravação histórica. As texturas misteriosas e evocativas de guitarra de Clapton criam um clima de grande drama antes que o groove principal de 4/4 comece com um convite irresistível.A progressão do verso menor em D menor é uma reminiscência da faixa épica anterior de Cream, “Tales of Brave Ulysses”, que se diz ter sido baseada no padrão de acordes do hit de 1966 de Lovin ‘Spoonful “Summer in the City”.

Rompendo com a tradição consagrada de colocar um solo de guitarra no meio de uma música, “White Room” espera um pouco mais para liberar toda a fúria do barulhento e psicodélico blues-wah de Clapton. Claramente, eles guardaram o melhor para o final.

02. “Have you Heard “John Mayall and  the Bluesbreakers – Blues Breakers with Eric Clapton (1966)-Francamente, se o solo de guitarra de Claptonnesta música não causar palpitações no coração, falta de ar ou pelo menos um caso leve de arrepio, você pode procurar ajuda médica.

A dramática obra de arte pentatônica de 73 segundos é, sem dúvida, o solo mais frenético e apaixonado da carreira de 55 anos do guitarrista. O solo, que explode pelo sinal de largada na marca das 3:25, reúne uma série de curvas incendiárias espetacularmente intensas, marteladas, mudanças de posição e slides estrategicamente cronometrados.

Clapton termina com um bando de notas altas climáticas, uma marca dos seus solos no Blues Breakers with Eric Clapton. Tudo isso é emitido através de seu novo som inovador, um tom sólido, sustentado e agudo que ele forjou ao conectar um Gibson Les Paul Standard 1960 em um combo Marshall 2×12 de 42 watts e elevá-lo a níveis impressionantes.

No álbum, Clapton queima e deslumbra como um amálgama futurista de suas muitas influências, incluindo Freddie King, Otis Rush, Hubert Sumlin e Buddy Guy. Surpreendentemente, Clapton tinha apenas 21 anos (prestes a completar 22 anos) quando o Blues Breakers foi gravado em março de 1966.

1. “Crossroads” – Cream – Wheels of Fire (1968)“Crossroads” é considerado a performance de guitarra mais inspirada e bem trabalhada de Eric Clapton, e por boas razões.

Este cover ao vivo, altamente reformulado, de “Cross Road Blues”, de Robert Johnson, apresenta ele e os companheiros de banda Jack Bruce e Ginger Baker tocando com uma interatividade intensa – e estendida – em um blues de 12 compassos .

O ponto alto ocorre durante o segundo solo de guitarra prolongado do arranjo, quando o grupo se envolve em uma improvisação ritmicamente densa que representa o ápice emocionante do blues-rock de forma livre. Conjurando um tom cremoso matador com seu Gibson SG Standard de 1964 e pilhas de amplificadores Marshall de 100 watts, Clapton explora o sustain das notas, usando sua técnica de vibrato para fazer sua guitarra cantar.O resultado é uma performance que habilmente apóia a declaração então popular de que Clapton é Deus. “Crossroads” pode ser uma música sobre fazer um acordo com o Diabo, mas esta gravação mostra Clapton no comando supremo de seus poderes divinos.

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